NB: LES CRITIQUES PRESENTEES ICI N'ENGAGENT QUE LEURS AUTEURS !
Les films sont classés dans l'ordre de leur sortie.

Ce film d'Eisenstein en muet est un film de commande pour célébrer le 10^e anniversaire de la Révolution d'Octobre. Moins sobre que "Potemkine", plus dynamique cependant, avec quelques fantaisies d'auteur. A noter la comparaison insistante et explicite entre Napoléon, vieil épouvantail ancré dans l'imaginaire des russes depuis 1812 et que l'on ressort du placard à des fins de propagande, et Kerenski, présenté en zélateur servile et obséquieux du tsar, rien de moins! A noter également le fait que Lénine apparaisse très peu. Le véritable héros de la Révolution n'est-il pas le peuple?

Un DVD Bach fims (environ 10 €).

Sergueï Eisenstein, Mosfilm, noir et blanc, muet, 1928

Premier réél chef d'oeuvre d'Eisenstein à notre sens. Le film est parlant (1937), la célébrissime et superbe musique de Prokoviev est en osmose complète avec l'action, le réalisateur a une maîtrise technique en pleine maturité, notamment au niveau du montage. Là encore un film de propagande, anti-allemande cette fois, propagande qui sera mise en veilleuse au moment du pacte germano-soviétique, puis servie à tire-larigot au moment de la grande guerre patriotique. Le film raconte l'histoire du prince de Novgorod qui vainquit les chevaliers teutoniques sur le lac Peipous en 1242. Ce mythe fondateur est traité avec superbe, avec un élan et un souffle épique de bon aloi. La prestation de Nicolas Tcherkassov est juste ce qu'il faut entre le théatre et le réalisme.
Le niveau de langue est relativement simple, mais les personnages parlent très vite. A écouter plusieurs fois.

Un DVD Bach fims (environ 10 €).

Sergueï  Eisenstein, Mosfilm, noir et blanc, 1938

Long film en deux parties qui relate certains aspects, notamments militaires, de la geste pétrovienne. La prestation de Simonov est excellente et rend bien compte du caractère de Pierre, tsar bon vivant, curieux, plein de santé, avec des manières simples pour ne pas dire paillardes, et en même temps avec ses traits de génie qui ont modelé la RUSSIE moderne. Encore plus étonnante est l'interprétation de Tcherkassov: le même qui incarna Nevski ou le Terrible joue à merveille le fils de Pierre, Alexeï, personnage halluciné, pleutre, mystique, et que son père détestait.
On regrettera que l'oeuvre politique et sociétale du premier empereur de Russie ne soit que partiellement évoquée, comme par exemple la mise au pas de la noblesse et de l'Eglise. Alors que paradoxalement le film souffre de certaines longueurs. Mais reste un bon film historique, avec une mise en scène soignée suscitant un intétêt constant.

Petrov, Mosfilm, 1937-1939, noir et blanc, 99 et 97 min.

Le film raconte la fin de la carrière du célèbre chef militaire, génie tactique, forte personnalité appréciée de la grande Catherine et adulée de ses hommes: la disgrâce lors de l'avènement de Paul I^er en 1796, l'exil, le rappel par le tsar sous la pression des Autrichies, au moment de la deuxième Alliance, pour mener la campagne d'Italie, le passage du Saint-Gothard dans les Alpes, la retraite enfin, après l'encerclement par les troupes françaises. Le vieux chef réussira à ramener son armée en Russie en évitant la reddition, ce qui en fait un chef invaincu.

Le film insiste sur l'attachement des hommes à son chef, avec une galerie de portraits des "grognards" russes, habitués à voler de victoires en victoires avec lui aux quatre coins de l'Europe. Mais son caractère impitoyable n'est pas dissimulé (cf. la scène où l'un de ses généraux est fusillé sans jugement pour avoir mal traduit un document rédigé en allemand), ni non plus son côté cabot (voir la scène où il est reçu à la cour, et où il s'incline devant un laquais, au grand scandale des princesses perruquées et poudrées). Souvorov est interprété par Nicolas Tcherkassov de façon parfaite sous tous ces aspects; comme d'habitude le très talentueux acteur crève l'écran et étouffe tous les autres rôles.

Quoique parlant, le film n'a pas rompu avec la sympathique habitude des "cartons" du cinéma muet. Il est vrai que l'auteur de "La Mère" était un maître du genre, il en a même théorisé l'emploi, notamment au niveau du montage, du cadrage, etc. Et on lui a reproché de s'être mal adapté au parlant. Pourtant, avec les films à caractère historique  de cette période (il a tourné également un "Minime et Pojarski" l'année précédente), il s'en tire encore plutôt bien.
C'est donc l'occasion de redécouvrir un pionnier du cinéma, qui a été excessivement décrié pour avoir sombré dans le pompiérisme stalinien à la fin de sa carrière.

Vsevolod Poudovkine et Anton Doller, Mosfilm, 1940, noir et blanc, 101 min.

Un peu verbeux et long, mais le héros qui vainquit Napoléon après la prise de Moscou est admirablement campé: sentencieux à souhait, habité par son devoir, respecté de ses hommes. Napoléon lui même, l'ennemi, le diable, n'est pas si mal interprété, sans charge excessive, à peu près comme il fut vraisemblablement, solitaire et génial, mais aveuglé par ses erreurs. Surtout si l'on pense qu'il s'agit d'un film de commande à des fins de propagande, Borodino étant le parallèle de Stalingrad et la retraite de la grande Armée préfigurant celle de l'armée allemande. Une bonne épopée historique donc, malgré quelques longueurs.

Petrov, Mosfilm, noir et blanc, 1943, 113 min.

Deux pointures françaises, Duvivier, l'inoubliable réalisateur de "Pépé le Moko" et de "La Bandera", connu aussi pour ses "Don Camillo"; et Anouilh, pour cette fois scénariste, portent à l'écran la célébrissime œuvre de Tolstoï, dans un film... britannique! Et avec une Vivian Leigh, qui, quoiqu'ayant pris un léger coup de vieux depuis "Autant en emporte le vent" (elle est déjà tuberculeuse), incarne à jamais une certaine culture américaine. Etonnant ! Quoiqu'on dise, le film reste certainement la meilleure adaptation non russe du roman. Après la version contemporaine et insipide de B. Rose avec l'ennuyeuse Sophie Marceau, on revient quelques instants avec plaisir aux canons du cinéma des années 30 et 40.
Anna trompe ouvertement son mari (Ralph Richardson, lugubre à souhait) avec Vronski (Kieron Moore, parfaitement séduisant, cheveux gominés, fine moustache, le profil du séducteur bien élevé). Les deux amoureux s'offrent un voyage à Venise, rien de moins. Le mari notoirement cocu refuse de divorcer comme de voir sa femme, et lui interdit la visite de leur fils Alexeï. Finalement coupée de tous, même de son amant, désespérée et rongée par le remords, assez lunatique aussi, Anna se jette sous un train.
Jeu d'acteurs formel, montage soigné, le film est surtout servi par une photographie extraordinaire, en pleine maîtrise du clair-obscur et de la profondeur, avec ces cadrages millimétrés que l'on ne voit plus guère, il faut bien l'avouer. La scène finale du suicide sous la grosse locomotive à vapeur est un modèle du genre, quasi-hitchcokienne. Le film a pu être qualifié d'académique, voire d'ennuyeux (D. Collin). Il est vrai que les acteurs épuisent leurs rôles, les situations sont parfois assez convenues. Mais l'ensemble reste de bonne tenue. Reste qu'il est toujours étrange de revivre une histoire russe dans un anglais si... british!

Il existe trois autres versions, américaines: celle d'Edmund Goulding (1927), avec Greta Garbo, celle de Clarence Brown (1935), encore avec Garbo, version parlante mais beaucoup plus plate de la première, et celle de Bernard Rose (1997), déjà mentionnée. Côté russe, on peut recencer celle en muet de Vladimir Gardine (1914) et celle d'Alexandre Zarkhi avec la belle Tatiana Samoïlova, ou encore celle de Serge Soloviov, récemment tournée.

Duvivier, London Film, noir et blanc, 1948, 108 min.

La façon de saisir l'instant dans la tourmente de la ville, de jouer avec le noir et blanc, avec parfois une tendre ironie, de filmer à hauteur du sol; la présence discrète des pigeons, les jupes à mi-mollet et les talons, les mioches et les poulbots, tout concourt dans ce film à cette poésie citadine des bancs, des trottoirs et des quais que l'on retrouve chez maints de nos écrivains et cinéastes. Et comme la présence de l'urbanisme moscovite est très discrète à part deux ou trois vues générales ou quelques plans de la Cathédrale Saint Basile et du Kremlin, on peut se prendre sans peine à vagabonder dans le Paris des années 1960, c'est-à-dire le Paris auquel on n'avait pas encore imposé le Centre Beaubourg et autres laideurs technocratiques de verre et d'acier, en comparaison desquelles les "Sept sœurs" staliniennes, quoique monumentales, nous paraissent d'une élégance toute classique.
Le leitmotiv musical, courte ritournelle primesautière déclinée sur tous les tons, accompagne agréablement les rebondissemments de l'intrigue. Cette dernière est d'ailleurs sans grand intérêt et n'est qu'un prétexte à la trame de cette "comédie lyrique" : un jeune ouvrier vient à Mscou depuis sa lointaine taïga rencontrer le rédacteur en chef du journal Юность, pour lequel il a écrit un récit. En une journée, il se fait de nouveaux amis et découvre avec eux la turbulente vie moscovite. 
On retrouvera avec plaisir Nikita Mikhalkov (au centre de la jaquette ci-contre), alors à peine âgé de 18 ans, mais qui tenait déjà là son cinquième rôle! Et il avait déjà l'œil malicieux et le verbe haut qu'on lui connaît aujourd'hui plus que jamais.

Un film sans prétention, mais fort sympathique. Quant à trouver le DVD, il faut se rendre dans un pays de la CEI, et même à Moscou, ce n'est pas gagné. Mais on peut regarder le film en ligne ici, c'est toujours mieux que rien!

Georgi Daniela, Mosfilm, noir et blanc, 1963, 78 min.

... OU LES RAISONS D'UN SUCCES

Comment expliquer en URSS l'énorme succès de cette comédie, rigoureusement inconnue en Occident (y compris dans les obscurs ciné-clubs où traînent encore quelques mordus), inconnue comme d'ailleurs l'ensemble des comédies de l'époque soviétique? Au moment de sa sortie et jusqu'à nos jours, des générations de russes en ont bu chaque scène et appris par cœur les répliques.
L'explication la plus répandue est que le film montrait un citoyen soviétique moyen, l'inénarrable Semion Semionovitch Gorbounkov (Youri Nikoiline), qui réussissait à voyager à l'étranger, à sortir de l'URSS. Les répliques de sa femme Nadia lui demandant à son retour, dans le lit conjugal, "А ты Софи Ларен видел?" et "А ты кока-колу пил?" sont les plus amusantes, mais aussi les plus révélatrices de l'attrait énorme du "monde libre", ou tout simplement l'attrait de l'interdit, pour des citoyens qui osaient à peine rêver de sortir un jour du pays.
Il y a aussi la critique à peine voilée du système soviétique et de ses mesquineries, critique concentrée ici sur le personnage de l'Управдом (le terme pose évidemment un problème de traduction), représentant d'un système politique qui s'immisce jusque dans les foyers, avec ses slogans et sa morale ("Пьянству-бой", "Наши люди в булочную на такси не ездят".), et qui se retrouve ici parfaitement ridiculisé: "Может, там собака - друг человека, а у нас управдом - друг человека."
Il y a encore les libertés que prend le réalisateur, et qui sont passées à travers les fourches caudines de la Mosfilm. Les gags à répétition autour de la prostituée turque sont un petit chef d'œuvre du jeu d'acteur... et du dialogue "multilingue"! L'interjection цигель, цигель, ай-лю-лю est même passée dans le langage courant. La fameuse scène avec le soutien-gorge surtendu de la blonde platine Svetlana Svetlichnaïa, gag hénaurme d'un goût plus médiocre, rompait également quelque peu avec le puritanisme de cette même morale, et révélait pour autant de bonnes qualités parodiques (voir ci-après). La scène où Kozodoev croit voir un Sauveur sur la lagune montrait également une belle liberté de ton.

Il est certain que tout cela a du réjouir bon nombre de spectateurs soviétiques de l'époque. Mais de nos jours? Comment expliquer cette pérennité dans le succès? Bon nombre de gags ne se comprennent et surtout ne s'apprécient que dans un contexte soviétique. Alors ? Comment expliquer ?

Sans doute parce que le film évoque maintenant par contrecoup la nostalgie d'une époque où l'on pouvait encore rêver. Car maintenant que le capitalisme et ses facilités équivoques tiennent la Cité, c'est trop tard. On ne va pas regretter les Soviets, Dieu nous en préserve, mais pourtant tout ça ressemble à l'histoire de Charybde et Scylla de nos classes de latin.
Et puis aussi la comédie comporte quelques qualités intrinsèques, rendons-lui cette justice! Hors la présence des trois ou quatre "monstres sacrés", dont bien sûr le sémillant красавчик à la mèche rebelle, Andreï Mironov, on trouve au long de cette comédie bien montée et bien rythmée une musique - et des chansons - excellentes, un générique à la Audiard, quelques bruitages à la Hulot, et de nombreux gags qui fonctionnent, même s'ils sont parfois en effet d'un goût inégal. Certains sont même novateurs, comme le découpage très inattendu du film en deux parties disproportionnées, avec entre elles un illisible et furtif "résumé des épisodes précédents" ! Et enfin, pour compléter le tout, quelques parodies du cinéma occidental bien senties : le rêve de Kozodoev avec le chat vengeur ("Psychose" et "Les oiseaux" ne sont pas loin), ou bien le duel final  dans la station de lavage. Parodier le western avec un pot d'échappement à la main, il fallait quand même le trouver!

Quoiqu'il en soit, ce film est indispensable à tout russisant! Nous vous proposons ci-après l'intégralité des dialogues en russe, découpées en 30 scènes, avec en regard une proposition de traduction en français. Le russe vaut pour l'aspect synthétique du registre parlé et quelques argotismes. Notez aussi : les verbes de mouvement, encore et toujours, un intéressant разъездиться, et la déclinaison des formes courtes des prénoms et patronymes.
Nous avons choisi quelques répliques cultes (en rouge), mais ce genre de sélection est difficile...
Notre réplique préférée est très lapidaire:


Un DVD RUSCICO. Ou, pour ceux qui bourlinguent, n'importe où dans l'espace post-soviétique ! Privilégiez les copies avec les sous-titres russes, à cause des dialogues parfois très parlés.

Voir aussi notre étude dans la rubriques "TEXTES".

Léonid Gaïdaï, Mosfilm, сouleurs, 1969, 100 min.

Un DVD RUSCICO.

Léonid Gaïdaï, MOSFILM, noir et blanc et couleurs, 1973.

Un régal également pour les grands débutants en russe, car Derzou parle un russe approximatif et les hommes d'Arséniev ne font pas de longues dissertations !
Le DVD est difficile à trouver. Le livre (les carnets de route d'Arséniev), œuvre très populaire en Russie, existe aussi, dans la collection "J'ai lu", par exemple. Il regorge d'observations d'intérêt ethnographique ou naturaliste, et offre quelques anecdotes supplémentaires avec Dersou, que Kurosawa n'a pas pu ou voulu mettre à l'écran (la scène de l'incendie de forêt, par exemple).

Akira Kurosawa, Mosfilm, couleurs, 1975

En 1936, Le colonel Sergueï Pétrovitch Kotov (Nikita Mikhalkov), héros de la Révolution, passe un jour de congé dans sa datcha en compagnie de sa jeune femme, Maroussia (Ingeborga Dapkunaite), de leur fille Nadia (Nadejda Mikhalkov), la fille du réalisateur), de parents et d'amis. Malgré un épisode de dékoulakisation qui aurait pu tourner au tragique, mais que Kotov résoud en jouant de sa notoriété, cette journée est sous le signe de la détente et de la joie.
Dimitri (Oleg Menchikov), un jeune homme qui a été amoureux de Maroussia huit ans auparavant avant de disparaître sans donner de nouvelles, revient ce jour-là. Il travaille à présent pour le NKVD et a reçu l'ordre d'arrêter Sergueï. La rivalité politique et amoureuse éclate entre les deux hommes, mais Sergueï demande à Dimitri de ne rien dire à personne et de faire comme si de rien n'était jusqu'à l'arrivée de la voiture du NKVD...

Beaucoup a été écrit sur ce film sensible et de violence contenue sur fond de tragédie historique. Il a même été pris comme support pédagogique dans un manuel d'apprentissage du russe ; son succès a été mérité.
Un des personnages évoque lui-même l'atmosphère de "La Cerisaie", qui règne dans la première partie du film, c'est à dire jusqu'au moment ou tout bascule dans une tragique et violente logique d'arrestation politique, mêlée de vengeance personnelle. On pourrait penser aux tableaux de Chichkine, ou, pour rester français, à ceux de Renoir, ou encore au film de son fils Jean Renoir, "Partie de Campagne", d'ailleurs tourné en 1936. La scène se passe dans un village d'artistes, dans un cadre bucolique, tout au long d'une seule journée. Il y a pour ainsi dire unité de temps, de lieu et d'action. Le jeu d'acteur a la part belle, ceci et cela en font une œuvre classique. Malgré l'environnement idéologique très fort de l'époque (les exercices de défense civile, les défilés des pionniers, une fête à la gloire de Staline), il flotte comme une odeur de l'ancien monde, du monde cultivé et paysannier d'avant la Révolution. Un certain art de vivre partagé entre parents et amis, un goût de la vie qui est en train de disparaître... Une estampe dans laquelle la tendresse et l'humour ne sont pas absents, mais qui sera déchirée par l'Histoire.
Les rapports psychologiques sont traités avec une pudeur, une retenue qui contribuent à l'émotion. Le tout est servi par une photographie et une musique superbes. L'allégorie de ce "soleil trompeur", nom d'un tango de l'époque, matérialisé par une boule de feu en folie dans quelques scènes, est certes vraisemblablement celle de l'illusion atrocement déçue d'un monde meilleur promis par l'idéologie communiste, et que rend aussi dérisoire que ridicule ce portrait géant de Staline flottant au dessus des blés ; mais aussi celle de l'amour manqué et impossible. Un grand film.

Un DVD RUSCICO.

Nikita Mikhalkov, couleurs, 1994, 153 min.

Le film de Régis Warnier ("Indochine") réunit la talentueuse Sandrine Bonnaire au visage anguleux et au sourire lumineux, le séduisant Oleg Menchikov et notre Catherine Deneuve nationale. On a parlé d'un trio, pourtant c'est le duo Bonnaire-Menchikov qui occupe le devant de la scène, la fonction de Deneuve se réduisant à fournir un témoignage, certes intéressant mais discret, sur cette "intelligentsia" française qui s'est compromise dans le soutien au communisme universel et radieux sans que cela ne gênât personne à l'époque.
On a oublié le jeu parfait du jeune Serguéï Bodrov, mort accidentellement en 2002,  dans le rôle du champion de natation qui passe à l'Ouest... et qui co-signe le scénario du film. Il faut aussi mentionner les rôles secondaires : l'agent du KGB, la commissaire politique, l'entraîneur, etc. L'agent du KGB est en veste de cuir noir, chapeau à la Scarface, lunettes rondes cerclées d'acier, et sadique à souhait. La commissaire politique est sanglée dans son uniforme marron, cheveux tirés, à moitié frigide. Tous ces personnages secondaires confortent des clichés sur un peuple et une époque, le procédé relève de la grosse ficelle, c'est dommage.

En 1946, Staline promet l’amnistie aux Russes émigrés à l'Ouest qui reviendront en URSS. Le docteur Alekseï Golovine (Menchikov) rentre au pays, suivi de sa femme française Marie (Bonnaire) et de leur fils Serioja. Arrivés en Ukraine, le régime arrête ces « traîtres » à la Russie. Les autorités épargnent les Golovine, car l'URSS a besoin de médecins. Ceux-ci tentent de s'adapter, de survivre. Marie repasse les chemises des soldats des choeurs de l'Armée rouge. Alekséï travaille, il est docteur en médecine du travail. Mais au milieu de cette vie sous surveillance, Marie craque. Elle cherche toutes les occasions possibles pour fuir vers la France, alors que même l’ambassade de France ne lui est d’aucune aide, son passeport français ayant été détruit à son arrivée.
Le Théâtre National Populaire est en tournée à Kiev, avec Gabrielle Delevay (Deneuve). Rentrée en France, elle recueillera le jeune Sacha (Bodrov), champion en natation et discrètement amoureux de Marie, et qui a pris des risques énormes pour passer à l'Ouest. Puis elle aidera Marie à faire de même, pour respecter le serment qu'elle a fait à Sacha. On ne comprend qu'à la fin du film qu'Alekéï avait manigancé la fuite en secret, en liaison avec Gabrielle Delevay, pour son fils et sa femme, tout en donnant des gages au régime (il rentre même au Parti). Cela lui a pris dix ans. Il rejoindra sa famille encore trente ans plus tard, sous Gorbatchev.

La manière de Warnier est académique et efficace, et narre une histoire correctement montée. La tension dramatique est régulièrement relancée. Les personnages ne manquent pas d'épaisseur, et sont tous attachants, avec leurs qualités et leurs faiblesses. Notons la belle performance de Menchikov qui a du apprendre le français pour l'occasion!
On sait gré au réalisateur ne n'avoir pas dépeint l'Occident mirobolant, censé représenter le "monde libre", comme disait la propagande téléguidée par la CIA aux grandes heures de la guerre froide. Car avec le recul, et même en considérant le caractère dramatique qu'a pu avoir le régime soviétique, cet Occident était surtout (et est encore !) un puissant miroir aux alouettes. Mais ceci n'engage que nous et dépasse le cadre de la stricte critique cinématograque...

En français et en russe. Le russe est simple!

Régis Warnier, couleurs, 1999, 121 min.

Au temps d'Alexandre III, une aventurière américaine (la sémillante Julia Ormond), vient en Russie et ravage les cœurs, entre autres celui d'Andréï (Oleg Menchikov), cadet de l'armée impériale. Les dégâts seront considérables! L'héroïne ne s'en rendra compte que bien tard... L'intrigue est tourmentée, passionnée, lyrique. Tous les acteurs sont à la hauteur de cette galerie de personnages hauts en couleurs ; le père extravagant de l'aventurière, inventeur d'une machine à ratiboiser les forêts (le "Barbier de Sibérie"), les camarades d'Andréï, son capitaine, son général, sans compter les deux héros eux-mêmes. Michalkov lui même interprète le tsar avec superbe. Le tout servi par une photographie et une musique splendides, généreuses, sensibles. L'auteur des "Yeux noirs" atteint même quelques moments de haute maîtrise cinématographique (les camarades d'Andréï le cherchant à la gare, la cérémonie au Kremlin) et d'émotion pure. Ceux qui ont fait les écoles militaires vivront avec plaisir les chahuts, les bahutages, les interdits qui émaillent la première partie du film. Un film fougueux, excessif, sentimental. Un film russe ! A voir sans modération, une vodka glacée à la main.
Il existe une critique, française et russe, qui a boudé, quand ce n'est pas démoli ce film au prétexte de son côté cliché, carte postale. Un film pour l'exportation? Il n'est pas certain que les arrière-pensées politiques n'en soient pas absentes. La discution reste ouverte.

Nikita Mikhalkov, couleurs, 1998, 180 min.

Evidemment, si l'on aime la Russie, l'histoire, l'art, Saint-Pétersbourg, le musée de l'Ermitage, le film de prime abord ne peut qu'attirer. Lors de sa sortie, un public réputé cultivé en a fait quelques gorges chaudes. On s'extasia d'abord sur la prouesse technique d'un unique plan-séquence, en mentionnant qu'il fallut s'y reprendre à trois fois, en omettant de préciser cependant que le numérique permet bien plus facilement ces acrobaties qu'au bon vieux temps de l'argentique et du celluloïd. On admira ensuite la grandeur, bien réelle, des lieux et de l'histoire qu'elle évoque. Ou les milliers de figurants et les costumes. Sans compter la symbolique prétenduement fulgurante du titre.

Le fantôme du marquis de Custine, qui fut un diplomate français et un observateur assez impitoyable de la Russie et des Russes au cours de la première moitié du XIX^e siècle, comme en témoignent ses "Lettres de Russie", déambule dans les salles de l'Ermitage, filmé par une "caméra subjective", qui représente le regard de l'homme contemporain. Le parcours du marquis est le prétexte à un discours qui peut se décomposer en trois aspects: des considérations verbales - et verbeuses - sur la Russie, une présentation de la pinacothèque classique européenne du musée (Van Dyck, Rubens, ...), et quelques reconstitutions historiques, qui remplissent opportunément le film. Seul ce dernier aspect est réussi, dans un domaine que l'on maîtrise pour autant très bien aujourd'hui : une caméra pour le coup habile et véritablement à l'aise, une bonne maîtrise d'ensemble permettent de restituer par exemple la scène tendue des excuses officielles de la Perse à la cour du tsar suite à l'assassinat de Griboïedov, ou encore une très bonne scène de bal sous Nicolas II, à la fin du film.

Concernant le premier et le deuxième aspect, le travail était plus difficile. Le résultat n'est ni original, ni réussi. Evacuons la déplorable présentation des œuvres de maîtres. Cadrées de guingois, filmées à la diable, piteusement éclairées, elles sont si mal présentées que leur emploi dans le discours du marquis en sera vite oublié. En outre, pour en parler, celui-ci croise dans les différentes salles quelques contemporains complètement saugrenus dont la présence pollue littéralement le film (la vieille excentrique, le jeune niais).
Reste le premier aspect : les considérations du marquis, son questionnement sur la Russie et ses rapports à l'Europe. Eh bien ! Ce n'est pas du même tonneau que les Lettres originales, qui étaient, elles, un témoignage acide mais pour autant charpenté, consistant. Ici, c'est plutôt un pot-pourri de clichés, dont certains sont fort éculés : la Russie ne sait que recopier, elle ne peut appliquer les concepts occidentaux, etc. On nous ressert même cette vieille gamelle : les interdits qui étouffent la vie en Russie, et font des Russes un peuple de garde-chiourmes imbéciles.

En somme, un dicours inoriginal et surtout bien creux sur un sujet pourtant séduisant. Il fallait sans doute bien davantage de souffle et de talent pour parler du destin de la Russie !

Alexandre Sokourov, couleurs, 2002, 93 min.

Voici un film extraordinaire à tous points de vue. D'abord parce qu'on y rencontre une spiritualité qui a déserté depuis belle lurette l'Occident ventripotent, confit de confort, engoncé dans ses certitudes et ses turpitudes. On ne trouve pas d'équivalent sur les écrans de nos salles obscures, à moins de remonter aux curiosités archéologiques bien oubliées de Dreyer ou de Bresson. Ensuite parce qu'il  est le porte-parole d'une foi exigeante. On voit d'ici les loups hurler à l'obscurantisme ou au fanatisme, tant le moindre souci d'exigence font passer aujourd'hui pour un dangereux extrémiste, y compris d'ailleurs dans le domaine temporel.

On pense tout de suite à Dostoïevski et à ses personnages en recherche de Vérité. Laquelle se double d'une sorte de sublime folie, stigmatisant par contraste l'hypocrisie et l'orgueil des médiocres.

Mer Blanche, 1942. Sur ordre des Allemands, Anatoli tue son compatriote Tikhon pour sauver sa propre vie.
1976. Recueilli par le monastère voisin, voici plus de trente ans que le Père Anatoli s'occupe de la chaufferie. Il vit dans la chaleur brûlante des flammes, dans la crasse du charbon, et surtout dans l'immense remords de son péché. Farceur, parfois menteur, il semble atteint de déraison. Son supérieur comme les autres moines ne savent comment le prendre, le réprouvent et en même temps admirent sa pureté, parfois avec jalousie. Anatoli possède aussi un don thaumaturgique. On vient le voir de loin pour être guéri. Et un jour, c'est Tikhon, qui a survécu à sa blessure, qui lui présente sa propre fille pour la guérir de la folie. Tikhon avait depuis longtemps pardonné. Anatoli peut enfin mourir en paix.

Il faut faire une mention spéciale de la photographie, parfaite sans pour autant pêcher par esthétisme. Cadrée au millimètre, d'un contraste admirable, sur des tons sombres et bleus, elle a la force du noir et blanc bien maîtrisé. On retrouve l'exigence dans la forme; et l'on se souvient que la force de la portée d'une œuvre ne passe pas par le laisser-aller prétenduement créatif que l'on a trop confondu avec la fantaisie et l'imagination. "Seule la contrainte est créatrice", disait Baudelaire parlant de la technique du sonnet.
Les chemins de l'ascèse sont difficiles. Ils sont bien abandonnés. L'auteur de "Taxi Blues" a su s'y engager avec talent. Pour nous retremper l'âme quelque instants. Pavel Lounguine sera-t-il un nouveau Tarkovski ?

Pascal Mérigeau, Le Nouvel Observateur, janvier 2007 :

«Un miracle pour commencer l'année, ça vous dirait? Si oui, vous adresser à Anatoli, un moine opérant sur une île au milieu d'un océan de neige et de glace, quelque part très au nord. Un peu loin et compliqué, peut-être? Soit. Plus simple, alors, et plus sûr aussi: courez voir le nouveau film de Pavel Louguine. Le cinéaste y retrouve Piotr Mamonov, rock-star russe qui fut le saxophoniste de son premier film, "Taxi Blues". Une manière pour Lounguine de refermer une boucle, lui qui a passé plusieurs années en France à réunir les fonds qui lui permettaient de financer les films qu'il tournait en Russie. Les sources se sont taries, c'est en Russie qu'aujourd'hui l'argent coule à flots, c'est là-bas qu'il vit et travaille désormais, là-bas que "L'Ile", sorti en novembre 2006, a remporté un succès considérable et fait ainsi la nique aux superproductions hollywoodiennes. Il a fallu plus d'un an pour qu'un distributeur français (le coup de chapeau va à Rezo Films) se décide enfin à le sortir, mais peu importe, le film est là, dont la beauté sereine et la profondeur font le prix. «L'Ile» vient au moment opportun, son triomphe russe en témoigne, et répond sans se pousser du coude à un besoin de spiritualité jamais plus réel que quand non proclamé.»

L'Humanité, janvier 2007 :

«Il arrive qu’une image qui s’attarde, apparemment inutile dans le fil d’une action, et qui à coup sûr serait vite expédiée, sinon coupée, dans un film soucieux d’aller droit au but de la démonstration, fasse qu’on s’attache à une histoire qu’elle colore tout à coup. Ainsi en va-t-il de ce bateau d’enfant, bout d’écorce de pin, minuscule voile en papier qu’un moine met à l’eau dans la mer Baltique. C’est dans l’Île, de Pavel LOUNGUINE, et l’on suivra ce jouet ridicule un bon moment, tournant en rond, donnant de la bande, chavirant mais insubmersible et qui porte à Dieu les voeux de ce moine passablement détraqué. On aime que le cinéaste consacre tant de temps à cette navigation, car on sait alors que c’est tout ce film un peu fou qui avance comme cet esquif lancé sur une mer trop grande pour lui. On pourrait, comme pour l’Homme qui marche, dire que Pavel Lounguine est tombé un jour sur ces îles du grand Nord, mer glauque, neiges fondues, maisons de bois et qu’il s’est dit qu’il ne pouvait se passer là que des évènements extraordinaires. Ainsi est né son personnage moine demeuré, rongé par le souvenir d’un meurtre qu’il commit par lâcheté dans une autre vie, sa vie sociale. Chauffeur de chaudière cloué à son travail de forçat, il s’est inventé un double caché, le père Anatoli faiseur de miracles à sa place. On pense bien sûr à Dodtoïevski, poids et délectation du péché qui sauve les âmes, mais le film est loin de s’y réduire. C’est la folie d’un lieu perdu qui est ici première et parce que, de l’antre noir où opère le moine chauffeur aux horizons noyés de brumes d’où émerge un bateau, un vrai, le cinéaste filme jusqu’à l’obsession ce paysage, on sait bien que ce n’est pas l’histoire d’un seul homme qu’il raconte, aussi singulier soit-il. Cette île est l’image d’un monde malade, rongé par le mal, assoiffé de beauté. Qu’il ait su le dire sans grand discours, en arpentant patiemment quelques kilomètres carrés de terre et d’eau fait sa force.»

Nicolas Seneze, La Croix, janvier 2007 :

«Une plongée au coeur de l'âme russe.
Engageant son héros sur le chemin de la rédemption, Pavel Lounguine part à la découverte du trésor spirituel de l’orthodoxie.
"Pour dire du bien de la Russie, Pavel Lounguine a dû venir explorer l’âme orthodoxe de son peuple!" Cette remarque d’un spectateur, à la sortie d’une avant-première de "L’Île", résume bien l’atmosphère du huitième film du réalisateur russe, surtout connu pour ses satires sociales de l’ère post-communiste.
Dans cette description de la vie d’un petit monastère du nord de la Russie à l’époque soviétique, Pavel LOUNGUINE (prix de la mise en scène à Cannes en 1990, avec "Taxi Blues") plonge au tréfonds de l’âme russe. Sans aucun doute, les spécialistes noteront nombre d’invraisemblances sur la vie monastique orthodoxe. Mais là n’est pas le propos de ce film magnifique qui est avant tout un portrait de la RUSSIE spirituelle, entre prière du cœur et psaumes maintes fois remâchés.
Au centre du film, le Père Anatoli (campé par l’incroyable Piotr Mamonov), ancien marin qui, après avoir trahi son ami pendant la Seconde Guerre mondiale pour sauver sa propre vie, s’est échoué sur une petite île où des moines l’ont recueilli. Devenu un "starets", dans la tradition de ces pères spirituels si importants dans la vie religieuse russe, le vieux moine fantasque, tout à la fois guérisseur, devin et conseiller, a acquis une réputation de sainteté.
De toute la RUSSIE soviétique, on vient le visiter, lui demander conseils et prières. Mais le vieil homme, tourmenté par la faute qui l’a mené au monastère, se sent indigne de cette sainteté et sème le trouble dans son monastère.
Car le Père Anatoli est aussi un "fol en Christ" facétieux et farceur, un vagabond de Dieu, personnage clé de l’orthodoxie russe, qui simule la folie des hommes pour mieux symboliser celle de la vie chrétienne. Pour le "fol", le renversement des valeurs morales, les jongleries du non-sens, de la déraison, manifestent une très sérieuse quête du sens [...].
Portant la faute de sa jeunesse comme un fardeau, le Père Anatoli est en quête de rédemption. Jouant sur le thème de la culpabilité, Pavel Lounguine reprend un sujet cher à la littérature russe, de Dostoïevski à Tolstoï. Et essentiel dans la spiritualité orthodoxe où le pêcheur n’est jamais confiné dans sa faute.
C’est en bousculant son supérieur, le Père Philarète (Viktor Soukhourov), à qui il rappelle sans cesse la nécessité de la pauvreté, en scandalisant le Père Job (inquiétant Dmitri Dioujev) par ses questions qui ramènent l’ambitieux moine sur le chemin du sens de la foi, que le Père Anatoli finira par trouver le pardon.»

Pavel Lounguine, couleurs, 2006, 113 min.

Voilà un honnête film d'auteur. Avec des acteurs qui jouent, une densité psychologique, et de bonnes questions sonnant juste.

La "grande querre patriotique" est terminée. Alekséï, un capitaine de l'Armée Rouge (Алексей Гуськов), doit se séparer de ses hommes et rentre chez lui. Il a survécu au drame, sa famille également. En chemin, il rencontre Macha, qui a perdu ses parents, et va vivre quelques jours avec elle pour la soutenir. Ils ne pourront pas s'oublier.
Enfin chez lui, c'est d'abord la joie des retrouvailles avec sa femme Liouba, son fils et sa petite fille. Mais cette dernière ne l'a pas reconnu. Et la peur et le doute s'installent très vite. La peur de ne savoir reprendre le cours des choses, la peur de voir échapper ces enfants qui ont grandi sans leur père. Et pour le couple, le doute, à cause de ces années volées par la guerre. Qu'ont ils fait l'un et l'autre pendant tout ce temps? Qui est cette Macha dont le prénom parcourt les lèvres d'Alekséï endormi? Qui est ce Nikolaï qui s'occupait de la famille alors qu'Alekséï était au front?
Alekseï et Liouba pourront-ils vivre et s'aimer comme auparavant? Après avoir survécu à la guerre, il va falloir survivre à la fracture créée par celle-ci. Rien n'est plus comme avant... et la confiance nécessaire aux liens familiaux est dramatiquement entamée.

On se met facilement à la place des personnages. C'est un signe que le film est réussi. Qu'aurions nous été, qu'aurions nous fait à leur place? Полина Кутепова est parfaite dans le rôle de l'épouse, très digne. Le fils aîné, qui a supplanté le père en son absence, a remarquablement été dirigé dans son jeu. La sobriété de ton dans les couleurs, dans la musique et le montage est de bonne facture.

Nous avons trouvé le russe très intéressant. Nous sommes évidemment dans le registe parlé, et il y a quantité d'enseignements à en tirer, notamment sur l'ordre des mots (c'est le plus frappant).

Le site du film : www.otets.ru

Ivan Solovov, couleurs, 35 mm, 2007, 82 min. Attention, il y a plusieurs films homonymes, dont un de Nikita Mikhalkov.

Le huis clos est une technique difficile, surtout s'il s'agit d'un remake. Il y avait un risque considérable à tourner une version plus lassante que l'original, et de surcroît sur un sujet aussi peu captivant a priori. Eh bien! Mikhalkov s'en tire bien malgré quelques maladresses, prouvant ainsi, s'il en était besoin, qu'il reste un très grand cinéaste en abordant encore un nouveau genre : le thriller, façon 10 petits nègres.

Le film de Sidney Lumet, "12 angry men", avec l'inoubliable Henry Fonda, avait déjà captivé nombre de spectateurs et de cinéphiles lors de sa sortie en 1957. Le scénario racontait l'histoire d'un juré qui réussissait à convaincre un par un les onze autres de l'innocence d'un meurtrier présumé de son père. L'ambiance était étouffante, les dialogues brillants; une saisissante galerie de portraits et de profils psychologiques accaparait l'écran, et on ne sortait de la salle de délibération qu'au début et à la fin du film. Tout comme dans le film de Mikhalkov.
Cependant ce dernier a bien entendu actualisé le sujet: le meurtrier présumé est un jeune Tchétchène, qui aurait assassiné un officier soviétique, lequel est son père adoptif. Au niveau du montage, plusieurs flashbacks sur l'enfance tchétchène de l'accusé sont insérés au cours des délibérations. Mais c'est le dénouement qui distingue véritablement les deux films: le président du jury (Mikhalkov), peintre, est également un ex-officier de renseignement. Il savait que l'accusé était innocent dès le début, et pourtant vote pour l'acquitement en dernier. Il recueille ensuite le jeune garçon et lui promet de retrouver le meutrier de son père adoptif.

Les délibérations ont lieu dans le gymnase d'une école, réquisitionné pour l'occasion. Etrange décor, bien moderne. Tout aussi actuels sont les jurés: un chauffeur de taxi raciste (Sergei Garmarsh), un juif rescapé des allemands (Valentin Gaft), un directeur de chaîne de télévision (Youri Stoyanov), un riche chirurgien géorgien (Sergueï Gazarov), un directeur de cimetière (Alekseï Gorbounov), un humoriste (Mikhail Yefremov), un constructeur immobilier (Viktor Verjbitsky), un professeur d'université (Roman Madyanov), un militant des droits de l'homme (Sergueï Artsybashev). Quant au premier juré à voter l'innocence de l'accusé, c'est un inventeur raté qu'une femme a sorti de la déchéance: rôle remarquable joué par Sergueï Makovetsky, personnage tourmenté par qui le doute arrive. Au fur et à mesure des interventions des uns et des autres, on délibère, on se livre à des reconstitutions, on vote et revote la culpabilité de l'accusé. Qui sera finalement acquité après quelques retournements du jury. On ressort soulagé. "Не виновен!"

Les acteurs sont tous excellents, évoquant leur vie ou faisant part de leurs doutes lors de leurs interventions: ces monologues sont de véritables morceau de bravouve et l'on est bien aise de ce retour bienvenu de la prééminence du jeu d'acteur dans un cinéma tellement américanisé. Seul Mikhalkov, quoiqu'à l'aise bien sûr, a un jeu un peu faible en comparaison. D'ailleurs il aurait du se tenir en retrait de son film. La caméra faiblement mobile rend bien l'atmosphère tendue et exploite toute la gamme des lumières artificielles, du néon à la bougie en passant par la lampe torche et les projecteurs. Même les flashbacks en décors naturels sont monochromes ou très sombres, et sont traités sur un mode presque onirique. La musique très discrète concourt aux mêmes effets étouffants et pesants. On regrettera seulement un ou deux effets spéciaux exagérés et sacrifiant à la mode du spectaculaire, comme la seringue se fichant dans une cible ou le couteau (importante pièce à conviction) allant se planter dans la table des jurés. Ce genre d'effets à la Steven Seagal sont complètement déplacés ici. Dommage...

Le russe est difficile, parfois rapide, parfois distinct, souvent avalé, c'est fonction des personnages. Le manque d'action n'aide pas à la compréhension. A réécouter plusieurs fois patiemment !

Notre lexique franco-russe détaillé du film : lexique.
Le site officiel du film: http://www.trite.ru/projects_in.mhtml?PubID=124

Nikita Mikhalkov, couleurs, 35 mm, 2007, 233 min.

«Не презирай слабого детёныша, он может оказаться сыном тигра» (Inexactement traduit sur la VOST: ne sous-estime pas le jeune chiot, il peut devenir un tigre féroce). C’est avec ce proverbe mongol que débute le film. Et c’est parti pour deux bonnes heures de grand spectacle, au XI^e et XII^e siècles dans les lointaines steppes, loin de notre société de consommation consensuelle et avachie. De quoi se dégourdir les nerfs sans assassiner personne.
Le Film du réalisateur russe Sergueï Bodrov (Le prisonnier du Caucase, Nomade) est vendu par le distributeur français comme «l'incroyable destin de Gengis Khan» (cf. affiche ci-contre, d'ailleurs pas particulièrement réussie). Mais le film s'arrête à la naissance politique de ce dernier, lorsque Temudjin devient «l'empereur océanique» et le «maître des trônes et des couronnes».

L'acteur japonais Tadanobu Asano campe un Temudjin convaincant, l'actrice Ying Bai est une splendide Bôrte, les paysages sont magnifiques. Le tournage a eu lieu en 2005 en Chine au Kazakhstan et en Mongolie Intérieure. L'équipe du film, dont le financement est russo-germano-kazakh, était composée de près de 600 personnes et de plus de 1000 figurants. Une équipe déjà éprouvée par Bodrov sur son film précédent, "Les Nomades", notamment les cascadeurs kazakhs et Kirghizes.
On n’insistera pas sur les aspects techniques pour cette note critique : la prise de vue dans ce type de films à grand spectacle, dignes successeurs des peplums des années 50, est parfaitement maîtrisée. Le rythme fait complètement oublier l'emploi de l’hélicoptère, pourtant très largement utilisé. Pas d’abus du numérique, photo soignée, musique locale judicieusement choisie. Notons que le film est en mongol, et que, en vrai cinéphile, nous vous encourageons à le voir en VOST.

Fils du chef Yesügei, l’enfant du clan des Bordjigin connaît une rude jeunesse parsemée d’épreuves. A neuf ans, en 1164, il se fiance à Börte, du puissant clan des Hongras, n’écoutant que mollement les conseils de son père sur le choix des femmes (par ailleurs assez savoureux, nous vous les laissons découvrir par vous-même!). Ce dernier meurt peu après, empoisonné par les Tatars. Temudjin étant trop jeune, le clan lui refuse allégeance et c'est le clan des Taïdjiourtes qui règne sur les steppes. Il est capturé par une tribu rivale. Il porte la cangue des esclaves, mais il réussit à s'échapper avec l'aide d'un de ses ravisseurs. Des amis fidèles, des cavaliers sont attirés par son fort caractère. Vers 1181, il épouse Börte qu’il n’a pas oublié. Hélas, elle est enlevée par la tribu des Merkit. Temudjin, avec l'appui de Toghril et de Djamuqa, chef des Djadji-rat, écrase les Merkit sur les bords de la Buura et délivre sa famille. C’est la première fois qu’un chef Mongol fait la guerre pour une femme ! Comme quoi l’amour courtois chevaleresque a pu naître aussi dans ces rudes contrées. Un premier fils Djötchi naît en 1182, quelques mois seulement après la libération de Börte, ce qui nourrira quelques doutes quant à son ascendance. Temudjin, parti de rien ou presque, issu d'un clan dispersé, réussit le prodige d'unir sous sa bannière tous les Mongols avant de les lancer à la conquête des steppes.

Le futur Gengis Khan et ses descendants régneront sur la Chine, la Perse, le Moyen-Orient et une grande partie de la Russie et de l'Europe de l'Est.

Le site officiel du film (en russe et en anglais), très bien fait : http://www.mongolfilm.ru

Sergueï Bodrov, couleurs, 135 mm, 2008, environ 130 min.

«И пребывают с нами Вера, Надежда, Любовь, но Любовь из них больше» 

Le film est consacré au destin tragique de l’amiral Alexandre Vassiliévitch Koltchak entre 1916 et son exécution par les bolcheviks en 1920, ses exploits militaires et son rôle d'officier blanc, et à son amour pour Anna Vassilievna Timiriova. Cette superproduction a d'ores et déjà connu une popularité record en Russie. Les moyens consentis ont certes été considérables, et la publicité remarquablement orchestrée.

On attendait bien davantage d'un sujet aussi important. D'abord dans la perspective du rapport des Russes à leur Histoire, rapport qui est en train d'évoluer d'une façon significative à plusieurs points de vue. Ensuite parce que le sujet est fabuleusement empli de références historico-littéraires, entre la trahison des Occidentaux et l'agonie des troupes blanches, l'épisode de la Légion Tchèque, en passant par les nombreuses réminiscences qui gravitent autour du transsibérien, de Blaise Cendrars à Corto Maltese.
Nous partions donc avec un préjugé largement favorable. Même l'hypothèse que le film soit une opération de propagande à tendance historico-patriotique ne nous gênait pas outre-mesure.
Las ! C'est la déception quasi-totale.

Certes, les batailles en mer et sur terre sont une fois de plus une prouesse technique de ce type de production. Osons dire pourtant que s'il n'est pas question de les bâcler, ce ne sont pas ces scènes en elles-même qui font les grands films. Tout ce qui relève de la technicité est presque parfait (encore que quelques scènes en mer sentent le studio), mais on n'en doutait pas, compte tenu des moyens consentis et des savoir-faire actuels.

Mais où sont les acteurs?
Si les actrices, avec néanmoins quelques allures de starlettes un peu décalées, s'en tirent à peu près (Elizaveta Boyarskaya dans le rôle d'Anna Vassilievna Timiriova, Anna Kovaltchouk dans le rôle de l'épouse de Koltchak), les hommes sont mièvres, étrangement mièvres, regrettablement mièvres, à commencer par Konstantin Khabenski dans le rôle de Koltchak lui-même ! Koltchak était pourtant un personnage particulièrement sexué. L'entendre dire à sa maîtresse, avant de la quitter, "Я Вас люблю" sur le ton de "Ah tiens, j'ai oublié le pain", non, non, vraiment, ça ne passe pas. Et ce n'est pas la présence ponctuelle de Richard Bohringer dans le rôle du général Janin qui relève le tout.
Même la musique, pourtant assez agréable au départ, glisse dans la ritournelle. Le montage, linéaire et conventionnel, comporte une incongruité à la fin, on se retrouve de nos jours dans les studios de la Mosfilm, mais ce "flashback dans le futur" n'apporte rien. Pas d'élan, pas de souffle; on attend évidemment dans ce type de film une consistance, une épaisseur dans les relations de Koltchak avec ses hommes ou avec ses pairs, ou entre Koltchak et sa maîtresse ou son épouse, mais là encore, c'est la mièvrerie qui prévaut.
Les textes sont inégaux. On appréciera bien sûr le russe des lettres d'Anna Timiriova à l'Amiral, et dont une des phrases figure en épigraphe de la présente critique en guise d'avant-goût. Mais concernant les dialogues, la langue même semble castrée de ses accents tour à tour profondément virils ou féminins par la platitude des sentiments !

Le film prend un tour américano-hollywoodien, mais pourtant ce n'est ni "Braveheart" ni "Gladiator", qui restent les références obligées du genre dans le cinéma contemporain. Espérons que le cinéma russe, assez prometteur ces dernières années, ne s'enlise pas dans cette ornière.

Décidément, là comme ailleurs, ce n'est pas l'argent qui fait le talent.

Le site officiel du film: http://admiralfilm.ru/

Andreï Kravtchouk, couleurs, 135 mm, 2008, 124 min.

Il ne suffit pas de disposer de gros stocks d'hémoglobine pour faire de bonnes scènes de combat, ni de trouver des jolies filles et de beaux garçons pour tourner de bonnes scènes d'amour. Le film se caractérise par une surenchère de scènes de guerre qui se répètent ad nauseam, et un jeu très inégal des acteurs, en particulier ceux de la jeune génération, hélas. Sans parler de la musique, qui a été bâclée. Nous suivons l'avis de l'inamovible président de l'Union des cinéastes de Russie, Nikita Mikhalkov, lorsqu'il dénonce l'américanisation du cinéma russe (et mondial); "américanisation" étant entendu, faut-il le préciser, au sens de cette enflure du spectacle pour le spectacle, avec ces avalanches d'effets, spéciaux ou non, qui supplantent le jeu d'acteur, voire l'intrigue, c'est à dire ce qui fait l'essentiel d'un film d'auteur.
Ceci étant, qu'on se rassure, nous vénérons les immortels chefs-d'œuvre du cinéma américain, car ceci, comme dirait Kipling, est une autre histoire. Signalons d'ailleurs au passage une version américaine de 1962 avec Yul Brunner dans le rôle de Tarass Boulba.

Un argument qui manque d'arguments

L'argument du film suit la nouvelle de Gogol. Nous voilà plongé dans l'Ukraine du XVII^e siècle, chez les cosaques Zaporogues. Tarass Boulba, chef cosaque et forte figure à l'humeur belliqueuse, compte sur ses deux fils Andréï et Ostap, frais émoulus de leurs études kiéviennes, pour bouter le Polonais, au nom de la défense de la foi orthodoxe et de la terre russe. Alors que l'on guerroie férocement et sans quartiers, voilà qu'Andreï passe à l'ennemi par un soir de siège, pour retrouver la fille du gouverneur polonais, dont il était tombé amoureux dès la première vision - scène qui restera d'ailleurs comme un monument de niaiserie - et dont il aura peu après un enfant. Plus tard, Tarass fait piéger son fils dans un cul-de-sac, et ne pouvant lui pardonner sa trahison, l'abat lui-même. "Что, сынку, помогли тебе твои ляхи?". Cette scène aurait du être un morceau de bravoure à la Mérimée. Hélas ! Qu'Andréï est inconsistant, là comme ailleurs! Plus tard, Tarass verra sous ses yeux son autre fils Ostap torturé en place de Varsovie, avec force craquements d'os et globules rouges bien épais, avant d'être lui-même capturé et brûlé vif par les Polonais.

Des arrière-pensées politiques ?

On a reproché au néo-communiste ziouganovien Bortko d'avoir caricaturé les peuples comme d'être un agent de propagande pan-russe. Il est vrai que le portrait des Ukrainiens comme des Polonais ne fait pas dans la finesse, nonobstant la rudesse certaine des temps, qu'il faut bien entendu se garder de juger à l'aune des Droits de l'Homme et autres dogmes contemporains, sous peine d'un anachronisme pourtant d'ailleurs fréquemment répandu.
Le plagiat du célèbre tableau de Répine, "La Réponse des cosaques zaporogues au Sultan de Turquie", tourne au procédé systématique et à la grose ficelle: même les Vikings de Kirk Douglas nous paraissent en regard un modèle d'analyse psychologique. Les catholiques Polonais sont engoncés et sadiques à souhait, on croirait les Espagnols de Fellini dans "Amarcord", mais voilà, Bortko n'est pas Fellini ! Quant aux Juifs, ils n'ont certes pas le beau rôle, cependant c'est peu de chose en comparaison de la charge de Gogol dans sa nouvelle.
 
Pourtant il convient de n'entrer que prudemment dans ces débats à caractère politique. Si la référence à la "русская земля" est incessante dans la bouche des valeureux grognards cosaques expirant sur le champ de bataille, et ressemble à la méthode Coué, c'est pourtant bel et bien un pan de l'histoire de l'Empire russe qui s'est jouée en ces contrées, quelles qu'aient pu être les rivalités ou les luttes d'influence au sein de cet Empire. L'actuel nationalisme de paille, et surtout téléguidé, de l'Ukraine indépendante n'y changera pas grand-chose.


Le réalisateur avait su s'imposer avec succès grâce à ses adaptations de "Cœur de chien" ou de "L'idiot", semble-t-il. Croit-il désormais que le talent se mesure en nombre de figurants et de cascadeurs? A moins qu'il ne s'agisse que d'une œuvre de commande... Ce n'est pas une raison, "Alexandre Nevski" en était bien une!

Notre dossier franco-russe du film (lexique cosaque, données historiques et culturelles, liens utiles) : dossier.

 
Le site officiel du film : http://tarasbulbafilm.ru

Une critique intéressante : http://www.grani.ru/Culture/Cinema/m.149645.html
Запорожская Сечь: une tradition ukrainienne?
http://www.rg.ru/2009/07/03/ukraina.html

Vladimir Bortko, couleurs, 135 mm, 2009, 100 min.